Le scénario est la base sur laquelle repose tout le film. Il guide le travail de tous les autres départements, y compris la réalisation, la direction artistique, le casting, la photographie et le montage. Le scénariste doit créer et développer le scénario, qui est le fondement narratif du film.
 

Lors de la création du scénario, le scénariste est responsable de l'écriture de celui-ci, ce qui inclut l'histoire, les personnages, les dialogues, les descriptions des scènes et les indications scéniques. Il doit s'assurer que le récit est cohérent, captivant et adapté au format cinématographique. Il travaille en étroite collaboration avec le réalisateur, les producteurs et parfois d'autres membres de l'équipe créative pour s'assurer que le scénario répond aux attentes et aux contraintes du projet.

Cela peut amener à discuter des modifications et des ajustements nécessaires. Le scénariste doit donc être prêt à réviser et à adapter le scénario en fonction des retours des autres membres de l'équipe, des contraintes budgétaires, des exigences de production ou des changements de casting.

Un bon scénario est essentiel pour garantir que le film soit cohérent et engageant. Le scénariste apporte la vision créative initiale du film. Il définit le ton, le thème et les messages que le film veut transmettre.

Cette vision guide les choix artistiques et techniques tout au long de la production. Il veillera à ce que l'histoire soit bien structurée et que les personnages soient bien développés. Cela garantit que le public reste engagé et que le film a un impact émotionnel. Pour ce faire, il conceptualise une idée de base, puis effectue des recherches approfondies sur les sujets, les périodes historiques, les lieux et les personnages pour assurer l'authenticité et la crédibilité du scénario.

En charge de l'écriture du scénario, le scénariste devra développer la structure de l'histoire, y compris l'intrigue principale, les sous-intrigues, les traits des personnages et les points de retournement. Il rédigera des descriptions détaillées des scènes, des décors et des actions pour guider le réalisateur et les autres membres de l'équipe de production. Il est responsable de la cohérence de l'intrigue, des personnages et des thèmes tout au long du scénario, tout en évitant les incohérences et les trous dans l'intrigue qui pourraient nuire à l'immersion du public.

Enfin, le scénariste devra suivre les normes de formatage et de présentation des scénarios pour faciliter la lecture et la compréhension par les professionnels de l'industrie, par exemple en utilisant des logiciels spécialisés pour l'écriture de scénarios (comme Final Draft ou Celtx) pour assurer une mise en forme professionnelle.

Réécriture pendant le tournage : Bien que les scénaristes puissent être appelés à faire des révisions de dernière minute, les modifications majeures pendant le tournage sont souvent gérées par le réalisateur ou un scénariste sur place, et non par le scénariste original.
 

Adaptation de dialogues en fonction des acteurs : Bien que les scénaristes écrivent les dialogues, les ajustements spécifiques pour s'adapter au style ou aux préférences d'un acteur sont souvent faits par le réalisateur ou un coach de dialogue sur le plateau.
 

Gestion des continuités : Assurer la continuité des détails dans les scènes (comme la position des objets ou les costumes) est la responsabilité du script, pas du scénariste.
 

Participation aux castings : Même si les scénaristes peuvent être consultés, le processus de casting est généralement dirigé par le directeur de casting, le réalisateur et les producteurs.
 

Écriture des sous-titres ou des doublages : l'adaptation des dialogues pour les sous-titres ou les doublages dans d'autres langues est généralement réalisée par des traducteurs spécialisés, pas par le scénariste original.
 

Participation aux projections tests : les scénaristes peuvent y être invités, mais les projections tests sont souvent supervisées par les producteurs et les équipes de marketing pour recueillir les réactions du public.
 

Le scénariste n'est généralement pas responsable de la création du storyboard. Le storyboard est habituellement réalisé par un storyboard artist ou un réalisateur, qui traduit le scénario en une série d'illustrations représentant les plans et les séquences du film. 

La Femis ou le Master Cinéma et Audiovisuel de Nanterre délivrent un Master en écriture audiovisuelle lors d'un cursus d'un an. Le concours est accessible aux titulaires d'un diplôme équivalent au niveau master ou avec une expérience professionnelle d'au moins deux ans et une véritable expérience d'écriture.

Conservatoire Européen d'écriture Audiovisuelle (CEEA) : Certification professionnelle de scénariste en 2 ans. Le concours, accessible à partir de 20 ans, est sans pré requis de diplôme

École de la Cité propose une formation d’auteur-scénariste en 3 ans. Le concours, accessible entre 18 et 25 ans, est sans pré requis de diplôme

Les expériences professionnelles utiles vont du stage et ateliers d'écriture à la collaboration avec des professionnels, en passant par des projets personnels, comme l'écriture de courts-métrages, de séries, ou de romans.

Les horaires de travail d'un scénariste peuvent être très flexibles. Ils peuvent travailler à temps plein ou à temps partiel, souvent en fonction des projets et des délais (souvent stricts) imposés par les producteurs ou les réalisateurs.

Les scénaristes peuvent travailler depuis leur domicile, un bureau, ou même des lieux publics. L'essentiel est d'avoir un environnement calme et propice à la concentration. Parfois, les scénaristes peuvent être amenés à travailler directement dans les studios de production, surtout lors des phases de réécriture ou de collaboration étroite avec l'équipe de réalisation.

Le cinéma européen est souvent plus centré sur l'auteur, avec des récits plus personnels et introspectifs. Les scénarios peuvent être plus expérimentaux et moins conventionnels. La littérature, la philosophie, et les mouvements artistiques européens jouent un rôle important dans les thèmes et les styles narratifs. De nombreux films européens bénéficient de financements publics, ce qui permet une plus grande liberté créative pour les scénaristes. Les festivals comme Cannes, Berlin, et Venise jouent un rôle crucial dans la promotion des films européens et des scénaristes émergents. Le public européen apprécie d’ailleurs des films qui posent des questions profondes et offrent des réflexions sur la société et la condition humaine. C'est pourquoi les récits réalistes et les drames sociaux sont souvent bien reçus. Les scénaristes européens peuvent venir de divers horizons, y compris la littérature (Jean-Claude Carrière), le théâtre (Éric Assous), et les beaux-arts (Jean-Baptiste Durand ou Bouli Lanners).

Les scénarios hollywoodiens sont souvent caractérisés par des structures narratives claires et des arcs de personnages bien définis. Les films américains mettent souvent l'accent sur des thèmes universels comme l'amour, l'héroïsme, et la rédemption. La culture populaire américaine, les comics, et les grands genres cinématographiques (action, science-fiction, comédie romantique) influencent fortement les scénarios.

Les grands studios jouent un rôle central dans la production et la distribution des films, influençant les types de scénarios qui sont produits. Le public américain attend souvent des films divertissants avec des fins satisfaisantes et des héros identifiables. C'est pourquoi Les franchises et les suites sont très populaires, influençant les scénarios vers des récits continus et des univers étendus. De nombreux scénaristes américains sont formés dans des écoles de cinéma prestigieuses comme l'USC, l'UCLA, et la NYU. Ils sont souvent membres de syndicats comme la Writers Guild of America (WGA), qui protègent leurs droits et négocient leurs contrats.

En Asie, Bollywood est connu pour ses comédies musicales et ses mélodrames, tandis que le cinéma coréen et japonais explore souvent des thèmes sombres et des narrations complexes. Les traditions culturelles, les mythes, et les histoires folkloriques influencent fortement les scénarios. Le cinéma asiatique est également connu pour ses innovations visuelles et narratives. L'industrie cinématographique asiatique est diversifiée, avec des productions allant des blockbusters commerciaux aux films d'art et d'essai. Le public asiatique apprécie les films qui combinent émotions intenses et spectacle visuel. Des écoles spécialisées en cinéma et en écriture de scénarios existent, mais les parcours peuvent être plus variés. Le mentorat par des scénaristes et réalisateurs expérimentés est souvent crucial pour les nouveaux venus dans l'industrie.

Un scénariste doit maîtriser les techniques d'écriture : la connaissance des structures narratives, des arcs de personnages et des techniques de dramaturgie est fondamentale. Sa capacité à écrire des dialogues réalistes et engageants suivra. Pour cela, il devra adapter le langage littéraire au langage visuel et sonore, en intégrant des indications sur les ambiances, les lieux, le jeu des acteurs et l'éclairage.
 

Il devra aussi respecter certains formats et normes : la connaissance des formats standardisés de scénario (continuité dialoguée, traitement, etc.) et la capacité à respecter les contraintes économiques et techniques liées à la production (budget, moyens, supports)

Il utilisera des outils numériques dédiés et donc il doit maîtriser des logiciels de scénarisation pour formater et organiser le scénario. Les logiciels d'écriture les plus connus sont Final Draft (logiciel très populaire parmi les scénaristes pour écrire des scénarios dans le format standard de l'industrie), Celtx (outil d'écriture qui offre des fonctionnalités supplémentaires comme la planification de la production et la collaboration en temps réel) ou Scrivener (utilisé pour organiser et structurer les idées, les recherches, et les différentes versions du scénario). Pour suivre l'avancement du projet, gérer les tâches, et respecter les délais, des logiciels tels que Trello ou Asana sont utilisés.

Sa compétences en recherche documentaire pour enrichir et authentifier les scénarios sera aussi un précieux atout.

Sur le plan artistique, un scénariste doit tout d'abord avoir la capacité d'inventer des histoires originales et captivantes. Il doit pouvoir surprendre et innover tout en restant cohérent avec les attentes du public. C'est le sens de la dramaturgie qui structurera efficacement une histoire et maintiendra l'intérêt du public à travers des rebondissements et une narration bien construite.

Bien sûr le scénariste doit faire preuve de créativité et d'imagination, voire même d'innovation. Cela se traduira avec une bonne maîtrise de la langue pour écrire des dialogues crédibles et des descriptions précises, donc le sens du détail sera aussi important.

Le scénariste doit avoir une grande capacité de collaboration (avec le réalisateur, les producteurs ou même parfois avec les acteurs) et faire preuve de résilience car le métier implique de faire face à des critiques et des refus.

La capacité à accepter les critiques constructives et à persévérer malgré les obstacles est cruciale.

Enfin, l'empathie et la sensibilité émotionnelle l'aideront à comprendre et à exprimer les émotions des personnages de manière authentique pour toucher le public car se mettre à la place des personnages et des spectateurs pour créer des récits qui résonnent émotionnellement sera fondamental

La Règle d'Or : Show, Don't Tell (Montrez, Ne Racontez Pas) - C'est l'astuce la plus essentielle au cinéma : le scénario ne doit pas expliquer une émotion ou une situation, il doit la rendre visible à l'écran. Pour cela il faut remplacer l'adjectif par l'action.

Scénario perfectible (Telling) : “Jean est très en colère.” (Le réalisateur devra trouver un moyen de le montrer.)

Meilleur scénario (Showing) : “Jean ne dit rien. Il prend son café et le jette contre le mur. La tasse se brise, éclaboussant le portrait de son patron.”

Le Rythme et l'Efficacité : Enter Late, Leave Early (Entrez Tard, Sortez Tôt) - Cette technique vise à rendre chaque scène indispensable et à éviter les longueurs, pour maintenir le rythme du film. Il faut couper le gras.

Entrez tard : Ne commencez pas la scène par les salutations ou les actions banales. Le conflit ou le moment crucial de la scène doit se produire le plus tôt possible. Par exemple, il faut éviter : "Paul entre dans le bureau, s'assied, et prend son manteau." mais préférer : “La scène commence au moment où Paul pose la main sur le dossier explosif, juste avant qu'il ne réalise qu'il est seul.”

Sortez tôt : Dès que l'objectif de la scène est atteint ou que le rebondissement est placé, terminez-la. Laissez le spectateur en cliffhanger (suspense) plutôt que de montrer les conséquences immédiates. Cela permet d’accélérer le rythme, de créer du suspense et de forcer l'auteur à être incisif.

La Progression Narrative : But and Therefore (Mais et Par Conséquent) - C'est un principe de causalité qui garantit que l'histoire est une chaîne d'événements logiques et non une simple liste. Il faut donc relier les événements par une conséquence.

Les événements de l'histoire ne doivent pas être liés par un simple "et" ("Il a couru, et il a vu le danger.")

Ils doivent être liés par la causalité ("Il a couru, mais il a trouvé la porte verrouillée," ou “Il a trouvé la porte verrouillée, par conséquent, il a cherché la clé dans la poubelle.”)

But : Faire en sorte que chaque scène ou action ait un impact direct sur ce qui suit, rendant le scénario plus serré et le destin du personnage plus inéluctable.